Il canale youtube di Alex Ball si occupa di sintetizzatori d'epoca, making of di colonne sonore cinematografiche, tutorial, documentari fai-da-te, produzione e composizione musicale.
Stavolta ci regala un approfondimento su How the Tron Music was made. Della colonna sonora di questo film esteticamente fondamentale si occupò nientemeno che Wendy Carlos (sito ufficiale, imdb, spotify) pioniera assoluta della musica elettronica, diplomata in musica e laureata in fisica, autrice anche delle colonne sonore di "Arancia Meccanica" e "Shining".
Sarà il carisma, sarà l'accento, il cognome iconico, saranno i numerosi film e l'aver interpretato magistralmente Conan, ma c'è qualcosa di magico nelle storie che racconta Arnold Schwarzenegger. Forse l'ingrediente segreto e trascinante è la venerazione della dura fatica per ottenere un risultato.
Oggi guardare un film è un'esperienza coinvolgente grazie agli effetti speciali, i dialoghi, le colonne sonore, le immagini a colori e molto altro, soprattutto nelle sale cinematografiche. Ma prima che venissero introdotte le tecnologie del suono e del colore, i registi dovevano fare affidamento su un numero molto minore di strumenti per raccontare le loro storie al pubblico in modo divertente.
Circa un secolo fa, in Giappone, la richiesta di aggiungere una nuova componente all'esperienza cinematografica si fece sempre più pressante. Esisteva un ruolo molto affascinante per coloro che potevano arricchire queste storie e immergere il pubblico nell'universo dei film. Essi compensavano la mancanza di suoni, colori o effetti speciali colorando i film con la loro voce: i katsudou benshi o benshi (弁士, "narratori di film"). Ma la cosa ancora più sorprendente è che esistono ancora oggi.
Il suo "Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte" (Una domenica pomeriggio sull'isola della Grande Jatte) si trova all'Art Institute di Chicago. E compariva anche in "Ferris Bueller's Day Off". L'Istituto d'Arte appare solo come una delle attrazioni di Chicago, incredibilmente varie, di cui godono il protagonista del film, il liceale marinaro e i suoi amici, persino l'ansioso Cameron, che esce per un attimo dalla sua vita travagliata mentre è affascinato dal quadro più famoso di Seurat. Più lo guarda da vicino, meno sono distinguibili le sue figure parigine, che si dissolvono in campi di punti colorati.
Georges Seurat rivelò una volta di essere "interessato a trovare una formula ottica" per la pittura da quando aveva solo 17 anni. Seurat trascorse la maggior parte della sua vita adulta a pensare al colore, a studiare teorie e a capire sistematicamente come un colore, posto in una serie di punti accanto a quelli di un altro, crei un colore completamente diverso quando colpisce la retina dell'occhio umano. Come un colore possa farne apparire un altro luminoso e vibrante.
Austin Kleon (twitter, instagram, newsletter) ci spiega in questo articolo che, nel 2014, il regista Steven Soderbergh ha pubblicato una versione in bianco e nero de "I predatori dell'arca perduta" con la colonna sonora di "The Social Network" come esercizio di studio della messa in scena. Da allora quello è diventato il suo modo preferito di guardare il film di Spielberg.
Ha visto "I predatori dell'arca perduta" probabilmente un centinaio di volte e potrebbe recitare i dialoghi riga per riga, ma quando lo rivede in bianco e nero, riesce ad estraniarsi dalla pellicola ed è come vedere un film nuovo.
E' molto facile considerare il bianco e nero, in questa epoca di effetti speciali sfolgoranti, come qualcosa di antiquato e che non aveva senso di per sè, noient'altro che una limitazione tecnica. Può essere controintuitivo ma invece il bianco e nero è ovviamente un vero e prorio stile che conferisce "gravitas" all'immagine. Non funziona per tutti i film però, alcuni perdono molto, altri invece diventano diversi e forse ancora più interessanti.
Questo punto di vista sempre un po' sfuggente per l'altra metà del cielo (quello maschile) è fondamentale per provare a capirne qualcosa di più di tematiche finora sempre troppo trascurate.
Come ipotizzato tempo fa cominciano ad arrivare i primi barlumi di pellicole immaginarie create con la AI. E' il caso di "Blade Runner 1929" by Fritz Lang. Si tratta per ora di una sequenza di screenshot che raccontano una storia che mescola insieme in modo particolarmente riuscito elementi di Blade Runner (1982) e di Metropolis (1927), due capolavori sorprendentemente sovrapponibili.
L'impiego di LLM è a dir poco controverso e giustamente molto malvisto dalla community di artisti. Però a volte qualche scintilla ci sorprende. Oltre a vedere pellicole reinterpretate con stili molto riconoscibili (vedi vari titoli alla maniera di Wes Anderson, oramai parodia di sé stesso) emerge anche questo trend di fare la fusione di due film. Se si scelgono due capolavori il risultato potrebbe non essere del tutto da buttare. Certo per ora c'è sempre la mano di qualcuno che guida completamente il processo, perchè questi modelli non hanno coscienza, emozioni, intenzione, nulla. E quindi è solo uno stimolante esercizio di stile.
